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Confesiones de una comprahólica

Ixchel Estrada

Ixchel Estrada nació en México. Estudió Diseño Gráfico en la Escuela Nacional de Artes Plásticas en la Universidad Nacional Autónoma de México. También hizo un Posgrado en ilustración. Ixchel trabajó como ilustradora colaborando para importantes editoriales como Alfaguara Infantil y Ediciones Castillo.  Sus trabajos han sido seleccionados y han formado parte de distintas ediciones del Catálogo de Ilustraciones de Publicaciones Infantiles y Juveniles. Esta diseñadora cuenta con más de quince libros ilustrados publicados.

http://www.ixchelestrada.com/home_ix.html

Victoria y Albert Museum

El museo Victoria and Albert es el museo más grande del mundo dedicado al arte y el diseño, con colecciones sin par en cuanto a su alcance y su diversidad. El museo alberga 3.000 años de artefactos procedentes de muchas de las culturas más sofisticadas del mundo, entre ellos piezas de cerámica, muebles, moda, cristal, joyas, orfebrería, fotografía, escultura, textiles y pintura.

También reúne notables ejemplos de las colecciones del Victoria and Albert para narrar la historia de 400 años de arte y diseño británicos.

http://www.vam.ac.uk/content/articles/a/acerca-del-museo-victoria-and-albert-v-and-a/

Vkhutemas

-Institución de gran importancia para el diseño industrial, se dio paralelamente a la Bauhaus, con la que tuvo frecuentes conexiones y tuvieron un final parecido. Los Vkhutemas (Talleres Superiores Artísticos y Técnicos del Estado) se fundaron en 1920 en la Unión Soviética.

-La creación de los talleres fue precedida por una reorganización de la enseñanza artística: supresión de la Academia Imperial y transformación completa de las viejas escuelas de arte aplicado. La nueva escuela superior asumió la tarea de formar artistas para la industria.

-Apartir de estos talleres se encuentran algunas de las teorías más importantes sobre los objetivos del diseño, también experiencias didácticas.

-Destacan diseñadores como Vladimir Tatlin y Alexander Rodchenko.

-La imaginación y el ingenio llevaron a los alumnos a  la creación de objetos necesarios para las casas, se implementó un programa dirigido a la polífuncionalidad. Esto cambió aún más la perspectiva de los objetivos y la trascendencia social en la obra de comunidad del Vkhutemas.

http://historialdedisenio.wordpress.com/2008/05/22/los-vkhutemas/

Surrealismo

-Comienza en 1924 en París con la publicación del "Manifiesto Surrealista" de André Breton.

-André estimaba que la situación histórica de posguerra exigía un arte nuevo que indagara en lo más profundo del ser humano para comprender al hombre en su totalidad. Conocedor de Freud pensó en la posibilidad que ofrecía el psicoanálisis como método de creación artística.

Para los surrealistas la obra nace del automatismo puro, es decir, cualquier forma de expresión en la que la mente no ejerza ningún tipo de control. Intentan plasmar por medio de formas abstractas o figurativas simbólicas las imágenes de la realidad más profunda del ser humano, el subconsciente y el mundo de los sueños. Para lo que utilizan recursos como: animación de lo inanimado, aislamiento de fragmentos anatómicos, elementos incongruentes, metamorfosis, máquinas fantásticas, relaciones entre desnudos y maquinaria, evocación del caos, representación de autómatas, de espasmos y de perspectivas vacías. El pensamiento oculto y prohibido será una fuente de inspiración, en el erotismo descubren realidades oníricas, y el sexo será tratado de forma impúdica.

Se interesaron además por el arte de los pueblos primitivos, el arte de los niños y de los dementes. Preferirán los títulos largos, equívocos, misteriosos, lo que significa que importaba más el asunto que la propia realización.

Precedentes del Surrealismo

Los pintores se encontraron con precedentes en Los caprichos de Goya, en el Bosco y Valdés Leal, aunque los más inmediatos deben buscarse en el movimiento Dada y en Giorgio de Chirico, creador de la pintura metafísica.
Chirico crea un mundo enigmático que es reflejo de la desolación provocada por la guerra, que se percibe inquietante y desolador. En Héctor y Andrómeda, introduce maniquíes, únicos seres capaces de habitar sus plazas desiertas y calles que se sumergen en el infinito. La pintura de Chirico es el principal antecedente del surrealismo.

Los artífices del surrealismo

Observamos dos vertientes. El surrealismo abstracto, donde artistas como Masson, Miró o Klee crean universos figurativos personales a partir del automatismo más puro. Y Ernst, Tanguy, Magritte o Dalí que se interesan más por la vía onírica, un surrealismo figurativo cuyas obras exhiben un realismo fotográfico, aunque totalmente alejadas de la pintura tradicional.

Ernst (1891-1979)

Llegó a ser uno de los principales exponentes del Surrealismo utilizando la técnica del frotagge. Consiste en frotar una mina de plomo o lápiz sobre un papel que se apoya en un objeto y se deja así su huella en dicho papel, con todas sus irregularidades. Las imágenes surgidas aparecerán cargadas de misteriosas evocaciones, de signos de catástrofe y desolación.
Ciudades, Europa después de la lluvia.

Tanguy (1900-1985)

Representa sueños desligados a toda referencia a la realidad. Los horizontes, la sensación de infinito, la presencia de objetos misteriosos y sin correspondencia con la realidad objetiva y las alusiones a signos sexuales caracterizan su obra consiguiendo provocar angustia y misterio. Unos transportes; Días de lentitud; Mamá, papá está herido.

Magritte (1898-1976)

Ofrece cierta similitud con Chirico, es uno de los surrealistas más claramente simbolistas.

Provoca el choque emotivo de color aplicado a formas realistas puestas en lugares y momentos inverosímiles. Realiza absurdas combinaciones de paisajes, arquitecturas, esculturas, ambientes externos e internos. En El tiempo detenido muestra el interior de una habitación en el que un tren sale llameante de una chimenea doméstica. La voz de los vientos es la premonición de una amenaza, un grupo de globos pesados que flotan y son símbolo de algo que puede aplastar.

Masson (1896-1987)

Analiza la estructura del objeto para convertirlo en una elucubración intelectual. Parece que el color, conjugado de modo personal y con una valoración casi abstracta es lo que más le importa. Su modo es más vital, sin la opresión angustiosa de la mayoría de los surrealistas. Dibujo automático, Desnudo, Ánfora.

Chagall (1887-1985)

Presenta hechos sacados de la realidad pero dentro de un ambiente ensoñador. Sus figuras vuelan sobre el paisaje. Yo y la aldea, evoca una serie de elementos reales de su tierra natal (casas, vacas...), pero la magia del sueño lo transmuta. La vaca acoge en su cabeza a una lechera ordeñando, la campesina puede andar con la cabeza en el suelo, etc.

Joan Miró (1893-1983)

"Me es difícil hablar de mi pintura, pues ella ha nacido siempre en un estado de alucinación, provocado por un shock cualquiera, objetivo o subjetivo y del cual soy enteramente irresponsable".

Es el máximo representante del surrealismo abstracto, aunque fue solamente una fase dentro de su producción.

Sus cuadros están llenos de poesía. Pinta con colores puros y tintas planas. La obra clave en su evolución es El carnaval del arlequín (1924).

Crea un mundo propio que se abre paso a la abstracción. Sus imágenes son simples, con pocos trazos, a la manera de los niños. Rechaza la perspectiva, el modelado, el claroscuro y el acabado minucioso. Traza signos abstractos, simples, que no tratan de expresar una idea, sino que desean bastarse a sí mismos y son extraídos de lo irracional.

Personajes de noche, El bello pájaro descifra lo desconocido a una pareja de enamorados, Naturaleza muerta con zapato viejo, Mujeres y pájaros en claro de luna.

Los años de la guerra civil española y mundial lo alejaron de la aventura surrealista. Una de las últimas obras fue el revestimiento cerámico del edificio de la UNESCO en París,Noche y día.

Salvador Dalí (1904-1989)

Dalí es más escandaloso y extravagante de todo el grupo. Sus cuadros presentan figuras imposibles fruto de su imaginación.

Le caracteriza la provocación y su método "paranoico-crítico". Su primera etapa surrealista es furiosa y ácida, las formas se alargan, se descomponen o resultan de apariencia equívoca. Utilizará alusiones al sexo y la paranoia. La sangre es más dulce que la miel, La persistencia de la memoria, El ángelus arquitectónico o Premonición de la Guerra Civil.

También son característicos sus relojes blandos, sus altas y destacadas figuras sobre un lejano horizonte y las vistas de Cadaqués.

Más adelante su estilo se hará más barroco en Leda atómica y en El Cristo de San Juan de la Cruz, donde el sentido de la composición y del espacio es más clásico, pero siempre inquietante.

Su pintura resulta excepcional en sus calidades plásticas por la corrección en el dibujo y por la presencia de la luz, transparente y limpia.

El Surrealismo se extenderá desde 1924 hasta el final de la Segunda Guerra Mundial.

http://www.arteespana.com/surrealismo.htm

Superstudio

Superstudio fue un grupo arquitectónico italiano desarrollado entre los años 1966 y1978. Enmarcado en el antidiseño, se fundó en Florencia en 1966, en paralelo al grupo Archizoom. Estaba compuesto por los arquitectos Adolfo Natalini, Piero Frasinelli y Cristiano Toraldo di Francia.
Opuesto al racionalismo y a la primacía del diseño sobre la función social y cultural de la arquitectura, el antidiseño puso énfasis en el estudio de las necesidades de los individuos por sobre cualquier otra consideración. Inspirados en el Art Nouveau, el art déco, el pop-art y el arte kitsch, realizaron una serie de diseños de tono irreverente que cuestionaban la funcionalidad y buen gusto del diseño anterior. También concibieron proyectos de ciudades utópicas del futuro, donde la tecnología liberaría al ser humano del trabajo manual.



http://es.cyclopaedia.net/wiki/Superstudio

Archizoom Associati

1966	fundación de la arquitectura y el grupo de diseño Archizoom Associati;  diseñado la exposición "Superarchitettura" en Pistoia, y 1967 en Módena, Italia
1968	creó el Centro de Eclectic Conspiración para la Trienal de Milán
1969-1971	proyecto "Non-Stop City"
1972	participó en la exposición "Italia  - El nuevo paisaje doméstico "
1973	junto a otros arquitectos del grupo estableció el grupo Herramientas Global.
	Archizoom Associati se basó en las influencias del Pop Art para formular, avant-garde provocativas ideas para reorganizar el espacio vital.

Representantes:-Andrea Branzi-Gilberto Coretti-Paolo Deganello-Massimo Morozzi-Dario Bartolini-Lucia Bartolini

http://www.design-museum.de/en/collection/biographies-of-designers/detailseiten/archizoom-associati.html

Anti design

-Fue un movimiento de diseño y arte del estilo originario de Italia.
-Movimiento en contra de lo que muchos diseñadores de vanguardia de la época veían como estética del modernismo.
-Las quejas de los rebeldes diseñadores se ventilaron más en la década de 1950-1960.
-Oficialmente el movimiento inicio en 1966.
-Algunas características son que usaban colores llamativos, distorsión de escala, uso de ironía y el kitsh.
-La función del objeto era subvertir la forma en la que piensa acerca del objeto.
-También se le conoce como el período Radical Design.
-Sus diseños eran únicos, dejando el estilo, la producción en masa, el consumismo, las ventas y la codicia.
-No importaba si eran bellos, sino que fueran funcionales.
-Cuando los modernistas decían que los objetos debían ser permanentes el anti-design decía que debían ser temporales.

-Representantes:

1. Ettore Sottsass Jr. ( Portavoz del movimiento)
2. Radical Design Archigram ( Revista británica de arquitectura que hace hincapié en el pensamiento alternativo y la arquitectura futurista)
3. Superstudio (Firma de arquitectura fundada en 1966 en Florencia, Italia)

(Estos expresaban sus ideas por medio de la producción de muebles, piezas de exposición y la publicación de manifiestos llenos de ideas que todavía se consideran revolucionarios)

-Las características de este movimiento se convierten en el sello del diseño posmoderno e influye en el diseño de Memphis.

Algunos ejemplos de  diseñadores  de esta época:

Ettore Sottsass diseñó una serie de armarios (1966)

Superstudio

Silla Selene por Vico Magistretti (1966) 

La lámpara flexible de Boalum (1969) de Gianfranco Frattini y Livio Castiglioni. 

http://www.arthistoryarchive.com/arthistory/antidesign/

Biomorphism

-Surge a raíz del surrealismo en la Primera Guerra Mundial -Muchos artistas habían descubierto significado en yuxtaposición y arquetipos, otros se volvieron a las formas generativas de la naturaleza en busca de inspiración. -Refleja la tendencia a favorecer formas ambiguas y orgánicas - Temas de anatomía, plantas, cuerpos de agua, astronomía inspiran pinturas, relieves y esculturas.-Representantes Jean (Hans) Arp, Henry Moore, Yves Tanguy y Raoul Ubac, ambos desarrollaron un lenguaje de "bioformas" Arp: Simplificó las formas de la naturaleza y los redujo a su esencia abstracta. Su captura obras biomórficas y expresar la energía vital del ser, y liberar el arte de las constricciones impuestas por la civilización. Yves Tanguy: Sus pinturas fusionan animal, vegetal y formas humanas con formaciones rocosas que se ciernen en los paisajes vaporosos. http://prv.mfah.org/sculpturegarden/artworks.asp?pid=3

http://www.imj.org.il/Imagine/dada_surrealism/Biomorphism.asp

Studio Alchimia

En 1976 se habia creado en Milán Studio Alchimia, como estudio de diseño gráfico.

A finales de la década de 1960, muchos diseñadores se estaban convirtiendo en desilusionados con la falta de cambio y el progreso en la arquitectura y diseño de producto. Un buen diseño se considera a menudo como el modernismo o movimientos artísticos anteriores tales como Art Deco. En 1976 estudio Alchimia se formó por el arquitecto italiano Alessandro Guerriero. El objetivo era alejarse de los principios de diseño modernistas a un nuevo estilo.

El estudio Alchimia se compone de diseñadores, cuyo objetivo era diseñar y fabricar piezas de exposición, en lugar de productos de consumo orientados. Sus productos han de considerarse como prototipos / one-offs.

Productos estudio Alchimia se han fabricado a partir de materiales baratos y fácilmente disponibles. Sin embargo, aunque los diseños mostraron muchas de las características del Modernismo, especialmente los diseños Bauhaus, que eran muy diferentes. Los diseños incluyen colores brillantes y decoración, y hubo un alejamiento de la simetría de los diseños modernistas de características asimétricas. En muchos sentidos, Estudio Alchimia era la piedra angular del movimiento de diseño modernista, al Grupo de Memphis de la década de 1980. Ettore Sottsass, que más tarde ayudó a formar el Grupo Memphis, fue un importante contribuyente a este movimiento de diseño.

La Stazione Aparador de Andrea Branzi (que se muestra a continuación), exhibe muchas de las características de diseño de estudio Alchimia. Los cajones son en realidad puertas batientes. El cajón amarillo no puede ser completamente cerrada y el aparador ha deslizamiento estantes de vidrio, que se retraen bajo la cima.

Agip prop

Propaganda de agitación y propaganda.

Estrategia política, generalmente de tendencia comunista, difundida a través del arte o la literatura, usando como métodos la agitación y la propaganda para influenciar sobre la opinión pública y de este modo obtener réditos políticos.

"Agitación" sugería urgir a la gente a hacer lo que los líderes soviéticos esperaban de ellos. Teóricamente la propaganda por sí misma debía actuar en la mente (pasiva) de los individuos, mientras que la agitación lo haría respecto de sus emociones (activas).

El arte como la imagen popular, el cartel de publicidad, el teatro, se convirtió como patrimonio de las masas.Pero el arte de propaganda se opone totalmente a la idea de consumo, no busca halagar ni tampoco asombrarlas. Su único fin es movilizar al espectador, los grupos sociales y la sociedad entera.

Características:

-Ser clara y poner por delante los objetivos que se persiguen a corto, medio y largo plazo.

-Servir para educar a las masas en lo que debe ser su finalidad con el objetivo de romper su pasividad.

-Servir de ejemplo para hacer avanzar a las masas, para incorporarlas a la lucha por su emancipación.

-Someter la táctica a los principios teóricos y finalidad política, no sacrificando el objetivo del triunfo final a los intereses inmediatos de las masas, pensando que con ello se está más cerca de los estratégicos, el comunismo.

Representante: Vladimir Lenin

Aesthetic movement

El movimiento comenzó en un pequeño camino en la década de 1860 en los estudios y las casas de un grupo radical de artistas y diseñadores, como William Morris y Dante Gabriel Rossetti. Estos fueron los reformadores jóvenes airados que exploraron nuevas formas de vivir en desafío a las normas de diseño horrendos de la edad como se revela en la Gran Exposición de 1851.

Durante las próximas dos décadas esteticismo florecido, dibujo de arquitectos y artesanos, poetas, críticos y filósofos para crear un movimiento dedicado a la belleza pura. El movimiento estético estaba en marcado contraste ya veces chocante para el materialismo craso de Gran Bretaña en el siglo 19. "El arte por el arte" fue su grito de guerra, un eslogan que se originó con el poeta francés Théophile Gautier.

Esteticismo extendió con una velocidad de emoción conspirativa que recuerda a uno de los movimientos artísticos radicales de la década de 1960. Emilia Barrington, biógrafo de Federico Leighton, él mismo un esteta principal, da una definición maravillosa de la "locura":

Burne-Jones pintó, Kate Vaughan bailaba, Maeterlinck escribió, las "almas" (y no sin éxito) intentaron vivirlo, los humoristas caricaturizados ella, los filisteos lo denunció como morbosa y malsana.

Había hecho una penumbra consciente a una forma de arte que se deleitaba con enfermo de amor y melancolía ensueños atormentados.Evitó la cordialidad de mediados de la era victoriana y la jovialidad. Esta fue una contracultura. Pickwick no lo era.

En primer lugar fue el movimiento de un pintor. Esteticismo combatirse arte popular anecdótica, sentimental, moral sentenciosa de los victorianos. Tenía su propio escaparate dedicado, la Galería Grosvenor en Bond Street, que abrió sus puertas en 1877. El Grosvenor fue una experiencia sensual en sí mismo, con su decoración palaciega de mármol dorado y con incrustaciones y las paredes de seda verde-yallery que mostró el aprovechamiento al máximo el trabajo de sus artistas estrella GF Watts, JM Whistler, Albert Moore y especialmente Edward Burne-Jones .

Una de las emociones de la serie V y de un culto a la belleza que promete ser el nuevo montaje de muchas de estas pinturas entonces tan polémicos. El Grosvenor celebró la mayoría que hay que ver de Londresexposiciones y se convirtió en la tertulia de moda. La proximidad de la galería para la opinión polarizada Real Academia acerca de las técnicas y los propósitos del arte. Fue después de la primera exposición en el Grosvenor que Ruskin lanzó su ataque notorio en Whistler, acusándolo de pedir 200 guineas "para arrojar un bote de pintura en la cara del público". Oscar Wilde eligió la ocasión de una fiesta de inauguración Grosvenor para hacer su primera aparición sensacional en Londres vistiendo un traje diseñado a medida siguiendo el contorno y el color de un violonchelo. Oh para ver una fotografía! El movimiento estético con frecuencia se desvió por encima en el arte del performance.

El culto a la belleza se expandió mucho más allá de la galería. Uno de los principios fundamentales de la estética era que el arte no se limita a la pintura y la escultura y los falsos valores del mercado del arte.Potencial para el arte está en todas partes a nuestro alrededor, en nuestras casas y edificios públicos, en el detalle de la forma en que elegimos vivir nuestra vida. Arte tuvo que ver con la arquitectura. El nuevo estilo de la reina Anne es visible para cualquier persona que camina por las zonas de Londres que eran los principales enclaves del movimiento estético: Bedford Park, Holland Park, Cadogan Gardens y Puerta de la Reina. Ladrillo rojo, recatada y agradable: se trataba de la arquitectura del libro de la historia de los niños.

Los relativamente llanas casas de la reina Anne de la época se abrían en interiores a menudo impresionantes. El movimiento estético era el estilo de vida con una venganza. Fue Rossetti en su hermosa casa tenebrosa en Cheyne Walk, amueblado con una mezcla ecléctica de viejos y nuevos y un séquito siempre cambiante de los animales en lugar sarnosos, que inventó el estilo conocido más adelante como shabby chic. Siguiendo su ejemplo, el arte se convirtió en auto-definición. Su elección de pinturas, objetos y decoración de interior dijo a la gente quién era usted y, de hecho, que no lo eran.

El ejemplo más maravilloso de estética movimiento decoración interior era Peacock Room de Whistler diseñado para los ricos (y famoso desagradable) magnate naviero Frederick Leyland. El friso del gran escala de los pavos reales estilizadas, oro en azul turquesa, enrollada alrededor de las paredes de la sala de comedor en la casa palaciega de Leyland en la Puerta del Príncipe, dando a sus invitados algo sensacional para mirar mientras comían. En estos días usted tiene que viajar a Estados Unidos para ver esta obra maestra que, tras la muerte de Leyland, fue vendido al coleccionista norteamericano Charles Freer y ahora está instalado en la Freer Gallery of Art de Washington.

Pero hay una estética-movimiento habitación existente comedor mucho más cerca de casa y de hecho todavía está en uso. Ningún visitante a la V & A de exposiciones deben perder la oportunidad de recrear la experiencia de tener el almuerzo o té en el Green Room Dining, encargado en 1865 de la firma de decoración de William Morris por lo que entonces era el Museo de South Kensington como parte de un nuevo complejo de refresco pública habitaciones.

El comedor verde fue concebido como un lugar de encanto, dando a sus clientes la sensación de entrar en una enramada verde misterioso o una cámara oculta en un palacio encantado, como se describe en uno de los propios poemas de Morris. Con sus paneles de roble teñido verde, su capa sobre capa de la textura y el patrón, Burne-Jones de paneles pintados y vidrieras, este es un excelente ejemplo de estilo de decoración que luego se filtra hacia abajo a la clase media hogares "artísticos", no sólo en el sofisticado centro de Londres, sino en toda la periferia de la mayoría de las grandes ciudades de provincia.

Como esteticismo estilo fue elaborado, alusiva, extravagante literaria, infundido con un amor de la medieval, ir al agua por lo exótico y extravagante. Pero el exceso tiene muchas mansiones. Otra de sus señas era una reticencia igualmente sorprendente y la pureza de los cuales la gran exponente fue EW Godwin, el arquitecto-diseñador: la casa del artista de Godwin de Whistler, la Casa Blanca en la calle de Tite, Chelsea, fue un temprano ejemplo del minimalismo de moda, con su construido en muebles y esteras de estilo japonés en el piso.

Al ver hoy los muebles pared hacia abajo de Godwin tiene una modernidad peculiar. Su famosa ebonized Aparador geométrico negro casi podría ser el trabajo del diseñador holandés De Stijl Gerrit Rietveld.Del mismo modo hermosas teteras movimiento estético angulares de Christopher Dresser podrían haber emanado de la escuela Bauhaus metalmecánica. Diseños casi modernistas de Dresser fueron tomadas por los fabricantes de Sheffield del siglo 19 e hicieron de alguna cantidad, aunque todavía principalmente a mano.

Comercios especiales abiertas para suministrar un movimiento que trataba de la individualidad de la elección. Aquí está la crítica de arte Julia Cartwright describe en su diario de las delicias de la discriminación de compras en su favorito Morris & Co en Oxford Street: "Hay cosas preciosas a cada paso, cerámicas persas, tapices de todo tipo, armarios y alfombras, y me enamoré de con un papel de girasol en cuatro peniques peniques y medio un patio ".

Gran parte de la mayor tienda movimiento estético, más una tienda de departamentos espectacular, fue la libertad de. La tienda de Regent Street abrió en 1875 por el emprendedor Arthur Libertad presentó a los consumidores de Londres a una amplia gama de objetos y textiles importados de Oriente Medio y de Japón. Libertad fue el esteticismo ido comercial. El almacén registrado "Tejidos de arte" como una marca registrada. Tenía su propio estudio artístico e histórico traje, especializada en flujo libre vestidos prerrafaelitas cuasi medieval en colores oscuros. Usted también podría verse como Janey Morris en un retrato de Rossetti con un vestido azul profundo.

En la estela de la libertad de una sucesión de tiendas más pequeñas experiencias más avanzadas "muebles arte" se abrió. Igual que la fiebre de pequeñas tiendas de diseño escandinavo que surgió en Gran Bretaña en la década de 1960, algunos de ellos florecieron pero la mayoría cerraron bastante rápido.

El movimiento tuvo su propio sustento intelectual. Si Wilde ", el primer gurú del estilo de la celebridad", se convirtió en la cara pública de la estética, como el V & A comisario de la exposición Stephen Calloway afirma, entonces su filósofo residente fue Walter Pater. El catedrático de Oxford, un soltero nerviosa y especialista en estudios renacentistas, estaba lejos de ser un esteta de salida en sí mismo, sino que se convirtió en el portavoz de la venerada por el esteticismo. La conclusión de su libro de ensayos del Renacimiento, publicado en 1873, fue capturado por el ardor con que Pater propone una filosofía de la belleza.La vida debe ser vivida para la incautación del momento. No hay posibilidad de experimentar la exquisita pasión debe ser rechazada o aprobada por. "Para grabar siempre con esta llama-joya como duro, para mantener este éxtasis, es el éxito en la vida."

Esta era una doctrina embriagadora. No es de extrañar esteticismo tenía sus ribetes más salvajes. Es tan fácilmente transmutado en decadencia.También era propenso a la extraordinaria estupidez. Como movimiento era maravillosamente lampoonable. Dio WS Gilbert su material para la Paciencia, la sátira musical muy popular en los estetas que se abrieron en la Opéra Comique de Londres en 1881.

A través de sus dos personajes centrales, Bunthorpe y Grosvenor, Gilbert vierte suavemente desprecio sobre lenguaje estético y los valores y la languidez autoconsciente, la flacidez y droopiness que caracterizó a la locura. El vestuario de la paciencia, que se encargo por la Libertad, derivadas de los vestidos que fluyen de las doncellas en la definición de movimiento estético de Burne-Jones pintar las escaleras de oro.

El potencial para la absurdidad en la definición del Pater del esteticismo fue el agua al molino de George Du Maurier, cuyas caricaturas para el sacador desarrollado toda una galería de personajes esclavos de la cultura de la sensibilidad en la que "demasiado-demasiado-por completo", fueron palabras operativas. El flaco y brota la señora Cimabue Brown; el poeta ingratiating Jellaby Postlethwaite, el pintor patético Maudle, la estética aspiracional Jack Spratts. . . Fue a través de este elenco de personajes que muchas personas tuvieron por primera vez la medida del esteticismo en términos de sus locuras y pretenciosas.En uno de los más brillantes de sus caricaturas Ponche Du Maurier reelabora una broma de Wilde acerca de cómo vivir de acuerdo con la belleza de la tetera de uno. Uno puede pensar en los amantes del diseño para los que todavía existe el dilema.

En el corazón del esteticismo poner el problema no resuelto de cómo hacer que la belleza más generalmente asequibles. Esto generó mucha polémica y se convirtió en una fuente de agonía a uno de los fundadores del movimiento - William Morris - cuando se dio cuenta de su influencia en realidad había llegado a poco más allá al norte de Oxford.Los principales clientes de Morris & Co fueron los aristócratas estéticas liberales y los magnates industriales con visión de futuro. Fue mientras trabajaba en la decoración de la mansión del dueño de una herrería norte de Sir Isaac Lowthian Campana que Morris fue impulsado para hacer su famoso exabrupto falta de tacto de "ministrar al lujo porcino de los ricos". Había por entonces alcanzado un punto crítico en sus esperanzas para la belleza democrática. ¿Qué es la belleza, después de todo, a menos que todo el mundo puede compartir? La desilusión final con las perspectivas del arte condujo Morris en socialismo revolucionario.

¿Acaso el esteticismo lleva a ninguna parte? Por supuesto que sí. Total desesperación de Morris fue prematura. El culto a la belleza fue ciertamente desestabilizado por los ensayos Wilde de 1895 y su posterior encarcelamiento, acontecimientos que llevó a cabo las peores sospechas de los ciudadanos de la transgresividad sexual inherente al movimiento. Pero esto era en realidad sólo un bache temporal en el arte británico socialmente progresista y el movimiento de diseño que cobró fuerza en los talleres de Artes y Oficios y de las ciudades jardín de principios de siglo 20.

En su esteticismo esencia fue un movimiento para la reforma y el proyecto de infiltrarse en la belleza en la vida cotidiana era todavía muy vivo en el Festival de Gran Bretaña de 1951, cuando el gobierno laborista de Atlee hizo un valiente intento de llevar el arte a la gente en una escala gigante. La búsqueda de la belleza inherente a la candidatura de la joven Terence Conran de traer un buen diseño de la calle será evidente para aquellos de nosotros que recuerdan Hábitat en su anterior encarnación más pura.